引言
有一个很有意思的现象：
同样的分镜，交给真人电影拍是一种感觉，交给 2D 动画做，又是完全不同的另一种感觉。
很多新手分镜师会觉得：分镜不就是分镜吗？还分什么 2D 和 3D？
但真正做过动画的人都知道：2D 动画的分镜，是完全不同的一门学问。
真人电影的分镜，你是在”限制”现实——你要考虑摄影机能不能拍到，演员能不能做到，特效能不能实现。
2D 动画的分镜，你是在”创造”现实——你画的每一根线，都会变成最终的画面。没有任何限制，除了你的想象力。
但自由是有代价的。
正是因为什么都能画，所以很多人反而不知道该画什么。
正是因为没有任何限制，所以很多人画出来的分镜反而失去了生命力。
这篇文章，我们就来聊聊 2D 动画分镜设计那些最核心的要点——那些让线条活起来的秘密。
一、2D 动画分镜的三个本质特点
1.1 线条本身就是表演的一部分
真人电影里，线条是不存在的。你看到的是光，是影，是材质。
但 2D 动画里，线条就是一切。
一条线，可以是愤怒，可以是温柔，可以是速度，可以是重量。
同样画一只拳头打过来：
- 硬直、尖锐的线条 = 快速、有力、很疼
- 柔软、圆润的线条 = 缓慢、无力、搞笑
- 断断续续、抖动的线条 = 犹豫、害怕、不确定
很多新手分镜师不注意这一点，他们只关心”这个动作画对了没有”，而不关心”用什么样的线条来画这个动作”。
吉卜力的分镜，你哪怕把所有颜色都去掉，只看线稿，都能感受到情绪。
这就是线条的力量。
1.2 时间不是拍出来的，是画出来的
真人电影的时间，是摄影机记录下来的。
一秒钟就是 24 帧，不多也不少。
2D 动画的时间，是你一帧一帧画出来的。
你可以让一秒钟发生 10 件事，也可以让一件事发生 10 秒钟。
你可以让时间停下来，也可以让时间倒流。
这带来了两个最重要的 2D 动画概念：
一拍一、一拍二、一拍三
- 一拍一：每秒 24 张原画，最流畅
- 一拍二：每秒 12 张原画，兼顾流畅和效率
- 一拍三：每秒 8 张原画，风格化，日本动画常用
张数决定了质感
- 快速的动作，张数少反而更有力（一拳打出去，3 张就够了，多了反而软）
- 缓慢的动作，张数多才够细腻（一个表情变化，可能需要 10 张以上）
分镜阶段就要想清楚：这段戏，大概用多少张来做？
这不是后期的事，这是分镜师就要决定的事。
1.3 简化不是偷工减料，是艺术选择
新人最容易犯的错误：
“我要把每个细节都画出来，越细越好。”
但 2D 动画的精髓，恰恰在于”简化”。
- 宫崎骏的背景画得很细，但人物永远是简约的线条
- 今敏的分镜细节很多，但关键帧永远是最概括的
- 汤浅政明甚至可以只用几根线条，就画出最有冲击力的画面
为什么？
因为动画的本质，是运动。
你把静止的细节画得再细，一动起来，全糊了。
2D 动画的简化三原则：
- 运动的东西简化：跑得快的东西，细节越少越好
- 静止的东西可以丰富：背景、不动的道具，可以画细一点
- 关键的东西突出：眼睛、手、嘴，这些表演核心，要画清楚，其他可以简化
记住：少即是多。
动起来好看，才是真的好看。
二、2D 动画表演分镜的五大要领
2.1 预备动作：一切都要”先往后”
真人演戏的时候，下意识就会做预备动作。
但动画如果不画出来，就没有。
你要往前跳，一定会先往下蹲。
你要出拳，一定会先往后收。
你要转头，一定会先眨一下眼睛。
这个”先往后”的动作，就是预备动作。
没有预备动作，所有动作都会像是”突然出现”的，看起来很假，很飘。
分镜中预备动作的设计要点：
1. 幅度 = 力度
- 轻轻跳：小蹲
- 用力跳：大蹲
- 你预备动作幅度有多大，观众就会觉得后面的力量有多大
2. 时间 = 重量
- 轻的东西，预备动作时间短（弹珠弹起来之前几乎没有停顿）
- 重的东西，预备动作时间长（巨人跳起来之前要酝酿很久）
3. 反方向 = 真实感
- 手往左，头可以先稍微往右一下
- 身体起来，肩膀可以先往下压一下
- 不要所有部位都往同一个方向走
经典例子：《猫和老鼠》
汤姆每次要冲出去之前，一定会先往后退三步，整个身体缩成一团，然后”嘭”的一下射出去。
没有那三步后退，后面的冲刺就一点都不搞笑，也一点都没有力量感。
2.2 缓冲：不要突然停下来
如果说预备动作是”开始的艺术”，那缓冲就是”结束的艺术”。
一个东西停下来，不会是戛然而止的。
一定会有一个减速的过程，甚至会往回弹一下。
例子：
- 手伸出去拿杯子，碰到杯子的时候会稍微往回弹一下，然后才握紧
- 人跑过来急刹车，脚停下来了，身体还会往前冲一下，然后再回来
- 一拳打在墙上，拳头会稍微往回弹一点点，然后才停住
没有缓冲的动作，就像撞到墙上的橡皮泥——硬邦邦的，死的。
分镜中缓冲的设计技巧：
1. 越软的东西，缓冲越大
- 果冻掉在地上：弹三下才停
- 钢铁掉在地上：几乎不弹
2. 速度越快，缓冲越长
- 高速奔跑停下来：要滑一段距离
- 慢慢走停下来：几乎不需要缓冲
3. 缓冲是表演的一部分
- 生气的时候拍桌子，手拍下去之后，颤抖的那几下就是缓冲
- 那颤抖，比拍桌子那个动作本身，更能表现愤怒
缓冲不是”为了动而动”。
缓冲是情绪的余韵。
2.3 跟随动作与重叠动作：不要所有部位一起动
新手画的动作，最明显的问题就是：
所有部位都同时开始，同时结束。
结果就是：像机器人。
真实的人体不是这样的。
人动起来的时候：
- 身体先转，头后转
- 头先转，头发后动
- 手停下来了，袖子还会继续晃两下
- 人停下来了，衣服还会飘一会儿
这就是跟随动作和重叠动作。
不同的部位，有不同的时间差。
分镜设计中的应用：
对话场景：
- A 说：”你给我滚！”
- 不要直接切 B 生气的脸
- 先拍 B 的背影，他的肩膀先慢慢抖起来
- 然后他的头才慢慢转过来
- 最后才是他愤怒的脸
走路循环：
- 脚先落地
- 然后腿受力弯曲
- 然后身体重心下来
- 然后手才摆到位置
- 然后头发、衣服、饰品，最后才跟上
每个部位差个 1-2 帧就够了。
但就是这 1-2 帧的差别，让你的角色从”画”变成了”活的”。
2.4 挤压与拉伸：灵魂所在
挤压和拉伸，是动画 12 条原理里，最核心，最灵魂的一条。
什么是挤压和拉伸？
简单说就是：任何有体积的东西，在受力的时候，形状都会发生变化。
- 球掉在地上，会被压扁一点，然后弹起来拉长
- 人的脸被打一拳，会变形
- 你咬一口苹果，苹果会凹下去
动画把这个效果夸张化了。
夸张到什么程度？
你可能不信，《猫和老鼠》里的汤姆，可以被压成一张纸，可以被拉成长条，可以变成任何形状。
但你看着一点都不觉得假。
为什么？
因为他的体积，从头到尾，都是一样的。
挤压拉伸的黄金法则：
不管形状怎么变，体积永远不变。
分镜中挤压拉伸的设计：
1. 强调冲击力
- 一拳打在脸上，脸不要只歪一下
- 要整个脸都扁掉，然后再弹回来
- 那一帧的变形越大，后面的力量感就越强
2. 强调速度
- 快速移动的东西，可以稍微拉长一点
- 比如跑起来的腿，踢出去的脚
- 不需要每帧都拉，关键的那一两张拉一下就够了
3. 表情的灵魂
- 惊讶的时候，眼睛可以拉长
- 笑的时候，脸可以压扁
- 不要觉得”人不会长这样”
- 观众在乎的是感觉对不对，不是生理上对不对
2.5 弧线运动：不要走直线
大自然里，没有东西是走直线的。
- 你挥手，走的是弧线
- 你转头，走的是弧线
- 你跳起来，落下，走的是抛物线
- 甚至你眨眼睛，眼皮走的也是弧线
但新人画分镜，总喜欢画直线。
因为直线好画。
结果就是：所有动作都硬邦邦的，像机械臂。
分镜中弧线运动的设计：
1. 所有关节的运动，都是弧线
- 肩膀是圆心，手肘走圆弧
- 手肘是圆心，手腕走圆弧
- 手腕是圆心，手指走圆弧
2. 运动轨迹要能连起来
- 你画一个挥手的分镜，把每一张的手的位置点连起来
- 应该是一条顺滑的曲线
- 如果是折线，那就是错的
3. 最快的点在中间
- 一个动作，开始慢，中间快，结束慢
- 速度曲线，也是一条弧线
记住：直线是机器，弧线是生命。
三、日本动画特有的分镜技巧
3.1 有限动画的智慧：用最少的张数，做最多的事
迪士尼动画是全动画（full animation），一拍一，追求极致流畅。
日本动画走了另一条路：有限动画（limited animation）。
什么是有限动画？
- 大部分时候一拍三
- 能不动的地方就不动
- 只动最关键的地方
很多人觉得有限动画是”偷工减料”。
错了。
好的有限动画，是艺术。
日本有限动画的三大精髓：
1. 张数分配像花钱
- 不重要的地方，一张画停 3 秒
- 重要的地方，砸 20 张原画，一拍一
- 好钢用在刀刃上
2. 动和静的对比
- 整个画面都不动，只有嘴巴在动
- 突然，整个画面都动起来了
- 那个反差感，比全程都动，冲击力强 10 倍
3. 用镜头运动代替动画
- 人物不动，摄影机推过去
- 背景不动，人物平移
- 用分层滑动，制造纵深错觉
最好的例子：《新世纪福音战士》
很多人说 EVA 省钱，很多静止帧。
但你回头看，那些静止帧，反而成了最经典的镜头。
因为在静止了很久之后，突然动起来的那一下，那种张力，是全动画永远做不出来的。
3.2 金田透视：夸张到极致的广角透视
金田伊功发明的”金田透视”，已经成了日本动画的一个标志性风格。
什么是金田透视？
- 极端的广角透视
- 离镜头近的东西，大到夸张
- 离镜头远的东西，小到几乎看不见
- 肢体可以扭成正常人不可能的角度
普通人看：”这太不科学了，人的手怎么可能长这样？”
懂的人看：”太帅了！太有力量了！”
金田透视的使用场景：
1. 力量感的动作
- 拳头打向镜头
- 脚踢过来
- 武器挥砍
2. 强调速度感
- 人物朝镜头冲过来
- 从画面深处，瞬间冲到镜头前
- 那种扑面而来的冲击力，正常透视是做不出来的
3. 疯狂、失控的状态
- 角色失控了
- 世界崩坏了
- 透视也跟着一起崩坏
注意：不要滥用。
一整场戏都用金田透视，观众会视觉疲劳，也会晕。
关键镜头用一下，效果才好。
3.3 松下系时间感：慢，但是有重量
另一个日本动画特有的概念：”松下系”的时间感。
什么是松下系？
以松下奈绪美为代表的一种演出风格：
- 动作特别慢
- 中间张特别多
- 每个动作都有一种”在粘稠的空气里移动”的重量感
和金田系正好是两个极端：
- 金田系：快、爆炸、冲击力
- 松下系：慢、沉重、压得你喘不过气
什么时候用松下系？
1. 特别有重量感的东西
- 巨人走路
- 巨大的机器人
- 山一样的怪物
2. 压抑、紧张的场景
- 刀慢慢拔出来
- 手枪的扳机，慢慢扣下去
- 一滴血，慢慢滴到地上
3. 决定性的瞬间
- 剑砍到对方之前的那几帧
- 子弹飞出去的瞬间
- 眼泪掉下来之前
这种”慢”，不是拖沓。
是把时间拉长，把张力攒到最大，然后在最后一刻释放。
四、2D 动画特有的镜头语言
4.1 色彩符号：颜色就是情绪
真人电影的颜色是拍出来的，后期可以调，但范围有限。
2D 动画的颜色，是你一笔一笔画出来的。
你想让它是什么颜色，它就是什么颜色。
这就给了分镜师一个超级武器：用颜色直接说话。
例子：《千与千寻》
- 正常世界：正常的颜色
- 神隐世界刚出现：偏绿，偏诡异
- 千寻爸爸妈妈变成猪之后：整个画面的颜色都变了，饱和度降下来，偏灰，偏冷
你甚至不需要看发生了什么，光看颜色，就知道：事情不对了。
分镜中颜色符号的用法：
1. 情绪转变用颜色转变配合
- 开心：暖色调
- 悲伤：冷色调
- 愤怒：高饱和红色
- 回忆：低饱和，偏黄
2. 同一个场景，不同时间用不同色调
- 白天：明亮，高饱和
- 黄昏：暖黄，长影子
- 晚上：冷蓝，低饱和
3. 关键道具可以有专属颜色
- 比如反派的东西永远是紫色的
- 主角的信物永远是金色的
- 观众看到这个颜色，就知道是谁来了
4.2 符号化特效：不一定写实，但一定要有感觉
2D 动画的特效，和真人电影的特效，追求完全不一样。
真人特效追求：像真的一样。
2D 特效追求：感觉对了就行。
比如汗：
- 真人出汗就是汗珠
- 动画里的汗，可以是四道竖线，可以是一颗巨大的汗珠，可以是汗水瀑布，怎么夸张怎么来
比如生气：
- 真人生气就是脸涨红
- 动画里可以头冒烟，可以井字青筋，可以整个头变成红色，可以嘴里喷火
这些符号化的特效，是 2D 动画独有的魅力。
常用的符号化特效：
速度线
- 往后拉的直线 = 往前冲
- 放射状的线 = 冲击力
- 螺旋线 = 晕眩、混乱
情绪符号
- 十字路口 = 愤怒
- 十字路口 + 凸 = 青筋爆起
- 四道竖线 = 汗
- 省略号 = 无语
- 灯泡 = 想到办法了
背景特效
- 全黑背景 = 严肃、紧张、内心戏
- 集中线 = 强调、重点
- 速度背景 = 超高速
不要觉得这些”太卡通了”。
观众看了一百年了，已经形成条件反射了。
你一画出来，大家立刻就懂。
这就是效率。
4.3 平面化构图：2D 独有的优势
很多 3D 分镜师追求”像照片一样真实的透视”。
2D 分镜师反而可以反其道而行之：故意画得很平面。
比如：
- 故意压缩纵深
- 故意让所有东西都在同一个平面上
- 故意用装饰性的图案，而不是真实的光影
为什么要这么做？
因为平面化有平面化的力量：
1. 装饰感
- 《辉夜姬物语》那种浮世绘一样的画面
- 透视是错的，比例是错的，但就是美，就是有味道
2. 象征意义
- 把坏人画在画面上方，头朝下
- 把好人画在画面下方，脸朝上
- 真实透视不可能这样，但观众一眼就能看懂谁强谁弱
3. 风格化
- 汤浅政明的画面，透视全是错的
- 但那种自由，那种疯狂的感觉，是正确的透视永远画不出来的
2D 动画最大的优势就是：你不用遵守物理规则。
你只需要遵守感觉规则。
五、常见误区与避坑指南
5.1 不要为了炫技而炫技
刚学会金田透视的新人，恨不得每个镜头都用广角。
刚学会挤压拉伸的新人，恨不得每个动作都拉成面条。
这就像刚学会成语的小学生，写作文每页都要塞十个成语。
看着累。
记住：
所有的技巧，都是为了内容服务的。
这个镜头需要力量感，你就用金田透视。
这个镜头需要冲击力，你就用大的挤压拉伸。
这个镜头就是两个人安安静静说话，你就老老实实正常画。
好的技巧，是观众看完，说：”哇，好震撼！”
差的技巧，是观众看完，说：”哇，这个分镜师技巧真好。”
观众记住了你的技巧，忘记了你的故事。
那就是失败。
5.2 不要在分镜阶段画太细
很多新人的分镜，画得跟完成稿一样细。
每根头发都画出来，衣服的褶皱都画得清清楚楚。
这是在浪费时间。
分镜的目的是什么？
是把故事讲清楚，把关键动作画清楚，把镜头意图说清楚。
不是让你在这里秀画技。
你分镜画得再细，到了原画阶段，还是要重画。
而且你画太细了，反而限制了原画的发挥。
分镜只要画到这个程度就够了：
- 能看清楚人物在做什么
- 能看清楚表情
- 能看清楚构图
- 旁边的人能看懂这个镜头想表达什么
把你的精力，留在关键的地方。
5.3 不要忘了声音
很多分镜师画分镜的时候，脑子里只有画面。
但动画是视听艺术。
一半是视，一半是听。
你一半的工作，在你画之前就应该完成了。
画分镜的时候，你脑子里应该有声音：
- 这个时候应该有什么音效？
- 这个时候音乐应该起来了吧？
- 这句台词，是说得快还是慢？
- 这里要不要停一下，留个空白？
好的分镜，看画的时候，你脑子里就能自动响起声音。
怎么做到？
很简单：
你画的时候，自己嘴里配一下音。
真的，不丢人。
很多顶级分镜师，画分镜的时候都在念念有词，自己配音效，自己念台词。
你自己念一遍，就知道这句台词太长了，画面撑不住。
你自己配一遍，就知道这个动作太快了，音效跟不上。
这是最简单，也最有效的方法。
结语
2D 动画是一种很神奇的艺术。
它明明都是假的，都是画出来的。
但好的 2D 动画，看起来比真人电影还要真实，还要动人。
为什么？
因为真人电影拍的是”外表的真实”。
而 2D 动画画的是”感觉的真实”。
你画的不是一个人在跑。
你画的是跑步的那种感觉——风刮在脸上的感觉，心脏砰砰跳的感觉，脚掌踩在地上的那种扎实的感觉。
你画的不是一拳打过去。
你画的是那一拳的重量，速度，还有打在身上的那种疼。
你画的不是线条和颜色。
你画的是生命。
这就是 2D 动画分镜师的工作。
也是这个工作，最迷人的地方。
下一篇：3D 动画分镜与预演——当分镜师走进三维空间，游戏规则发生了怎样的变化？
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